Diseñadores de interiores legendarios de cada década del siglo XX

Diseñadores de interiores legendarios de cada década del siglo XX

"Pensar en diseño es difícil, pero no hacerlo puede ser desastroso", le dijo Ralph Caplan, veterano columnista de diseño y editor de la revista ID, a Debbie Millman en su podcast "Design Matters". Caplan tenía toda la razón.

Los diseñadores de interiores son los primeros en prevenir estos desastres al concebir y crear espacios que la gente use y disfrute. Ya sea una residencia, un restaurante, un museo, un hospital o un centro comercial, existen consideraciones prácticas y estéticas para diseñar interiores funcionales, bellos y exitosos. «Para que una casa tenga éxito, los objetos que la componen deben comunicarse, responder y equilibrarse entre sí», declaró a LuxDeco Andrée Putman, la diseñadora francesa cuyo trabajo en el Hotel Morgans de Nueva York contribuyó a la popularidad del hotel boutique en 1984.

Si bien todos los diseñadores tienen influencia, ¿qué define a una leyenda? El recuerdo de un nombre es sin duda un factor a considerar, pero no debería serlo todo. Algunos nombres prominentes del siglo pasado faltan en esta lista —Jean -Louis Deniot , Billy Baldwin , Parish-Hadley— pero, en su lugar, se abre la oportunidad de destacar el trabajo de diseñadores de interiores que también han forjado una trayectoria singular, cuyas visiones crearon obras con un impacto perdurable en la actualidad. Algunos incluso abrieron puertas, un gesto muy necesario y difícil en el selecto mundo del diseño de interiores.

Con esto en mente, Lazzoni Modern Furniture examinó publicaciones como The New York Times y The New Yorker , exposiciones de museos y revistas de diseño como Architectural Digest y Veranda para destacar a 10 de los diseñadores de interiores más influyentes de cada década del siglo XX.

Sepia Times/Universal Images Group vía Getty Images

Década de 1900: Candace Wheeler

Considerada una de las primeras diseñadoras de interiores profesionales, Candace Wheeler es a menudo llamada la "Madre del diseño de interiores" por su papel en el establecimiento del campo y en alentar a otras mujeres a ingresar en él.

Mujer de clase media y feminista, creía en el poder del bolsillo. Comenzó su carrera abogando por que las mujeres utilizaran sus habilidades en las artes decorativas para crear negocios independientes a través de la Sociedad de Artes Decorativas.

Junto con otros tres diseñadores, entre ellos Louis Comfort Tiffany —descendiente del famoso joyero Charles L. Tiffany—, fundó Associated Artists, una firma de diseño que se fundó en 1879 y se disolvió en 1883. Wheeler se especializó en textiles y, a lo largo de los años, colaboró ​​con celebridades como Cornelius Vanderbilt II y grandes figuras de la literatura como Mark Twain. La notable carrera de Wheeler abarcó desde el siglo XIX hasta la década de 1920, y animó a muchas diseñadoras a seguir su ejemplo.

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Agencia General de Fotografía/Archivo Hulton // Getty Images

Década de 1910: Elsie de Wolfe

Al igual que Candace Wheeler, a Elsie de Wolfe se le atribuye a menudo ser la primera diseñadora de interiores. Su larga y pionera carrera también la llevó a una prominencia que abrió el campo del diseño a otras mujeres.

Aunque Wheeler la precede, de Wolfe, un actor profesional que comenzó en el diseño de interiores con un encargo de 1905 para el Colony Club de Nueva York, organizado por mujeres poderosas de la época con nombres como Astor, Morgan y Whitney.

Quizás se deba a su audacia para ignorar las convenciones y hacer las cosas a su manera, tanto en la vida como en el arte, una tendencia propiciada por sus abundantes conexiones sociales gracias a su estatus social. En cualquier caso, su diseño para el club abandonó la habitual atmósfera victoriana, monótona y formal, en favor de un estilo informal, ligero y lleno de extravagancia, que la consolidó como la decoradora predilecta de la alta sociedad; entre sus clientes se encontraban Henry Clay Frick y el duque y la duquesa de Windsor.

Durante su adolescencia, ya tenía encargos por todo el país, una sala de exposiciones en Nueva York y un grupo de fieles seguidores de sus libros que le dieron un gran impulso ante un público masivo.

El legado de De Wolfe sigue siendo fuerte gracias a los muchos elementos que introdujo en el vocabulario del diseño y que aún prevalecen hoy en día (los espejos, el chintz y el decoupage eran característicos) y gracias a todos los diseñadores a los que guio e inspiró.

George C. Beresford/Archivo Hulton // Getty Images

Década de 1920: Eileen Gray

La diseñadora y arquitecta irlandesa Eileen Gray merece ser mencionada junto a Le Corbusier, Mies van der Rohe y Marcel Breuer como maestra del modernismo. No solo trabajó con varios de estos hombres, sino que también fue pionera en el uso estilizado del cromo y el acero en muebles, junto con ellos o, en el caso de Le Corbusier, antes que ellos.

Tras estudiar dibujo y pintura, fue aprendiz del experto Seizo Sugawara para aprender la compleja técnica del lacado japonés. Gray aplicó estas habilidades en sus encargos de interiores, incluyendo el fabuloso apartamento en la Rue de Lota que diseñó para Juliette Mathieu-Lévy. Gray creó las alfombras y gran parte del mobiliario de la casa, incluyendo su famosa silla bulbosa Bibendum, cuyo nombre se inspiró en el Hombre Michelin. La silla sigue en producción. Gray vendía sus elegantes creaciones en una tienda de su propiedad bajo el nombre de Galerie Jean Désert, lo que ocultaba su identidad de género.

Aunque la importancia de su obra pasó mayormente desapercibida durante su vida, las contribuciones de Gray, incluida su casa E-1027 en el sudeste de Francia y la mesa ajustable E-1027 que diseñó para ella, ahora se consideran grandes logros en la humanización y transformación de la austeridad del modernismo para que satisfaga mejor las necesidades de los seres humanos reales.

Irving Browning/Sociedad Histórica de Nueva York // Getty Images

Década de 1930: Harold Curtis Brown

Sigue siendo difícil documentar y comprender con precisión la influencia de los diseñadores de interiores negros debido al racismo sistémico que estos creativos han enfrentado en Estados Unidos. A pesar de no tener acceso al éxito general, muchos de los primeros diseñadores de interiores negros hicieron contribuciones perdurables al campo, una labor que está siendo desvelada por historiadores como Michael Henry Adams, autor de "Estilo y Gracia: Afroamericanos en Casa".

Harold Curtis Brown, diseñador de formación clásica que trabajó en París y Washington D. C. antes de establecerse en Nueva York, diseñó los interiores de algunos de los clubes de jazz más famosos de Harlem durante el Renacimiento, incluyendo el legendario Cotton Club. Además de varios otros clubes nocturnos, Brown también diseñó los interiores del Hotel Navarro, un edificio de 25 plantas construido en 1926 y transformado en un hotel Ritz-Carlton en la década de 1980.

Para un diseñador en plena carrera, con encargos cada vez más importantes y costosos, algo extraño ocurre en 1938: Brown desaparece. Adams cree que el diseñador pudo haber empezado a hacerse pasar por blanco para impulsar su carrera.

Casi un siglo después, hay más diseñadores negros destacados que nunca ( Cecil Hayes , Sheila Bridges , Nicole Gibbons y Brigette Romanek , por nombrar solo algunos). Aun así, persiste la necesidad de mayor diversidad en la industria.

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Colección de fotografías del periódico Edward Lynch/New York World-Telegram y The Sun/PhotoQuest/Getty Images

Década de 1940: Dorothy Draper

Al igual que muchos de los primeros diseñadores de interiores, Dorothy Draper provenía de una familia privilegiada y supo aprovechar inteligentemente las ventajas de su riqueza y estatus social en su negocio desde sus inicios en 1923.

Completamente autodidacta, deslumbró con su estilo y poseía un inquebrantable sentido de su propio estilo, una confianza que le dio el coraje para crear lo único que no debía: una carrera. Desde sus primeros grandes encargos hoteleros en la década de 1930 (Hotel Carlyle, Hampshire House) hasta su obra más reconocida y perdurable, el rediseño masivo del resort Greenbrier, el característico diseño "barroco moderno" de Draper transformó el buen gusto y, en el proceso, creó el Hollywood Regency. Algunos de los rasgos distintivos de Draper incluían combinaciones de colores atrevidas y audaces, suelos en blanco y negro, molduras ornamentadas, abundante chintz y puertas pintadas de vivos colores.

Sus diseños visionarios para sus clientes corporativos abarcaron desde la decoración hasta el diseño del menú, los uniformes del personal e incluso las cajas de cerillas. Muchas de sus creaciones siguen siendo icónicas hoy en día: los elaborados marcos de espejos, las lámparas de araña con forma de jaula de pájaros que instaló en el restaurante del Met y, por supuesto, el chintz con rosas de col.

Los Angeles Times vía Getty Images

Década de 1950: Norma Williams Harvey

Como diseñadora de interiores principal de la firma de arquitectura de Paul Revere Williams, Norma Williams Harvey es un ejemplo raro y conocido de una diseñadora negra destacada antes del Movimiento por los Derechos Civiles.

Norma trabajó para su padre, Paul (en la foto), uno de los arquitectos más influyentes de Los Ángeles y el primer miembro afroamericano del Instituto Americano de Arquitectos. Diseñó más de 2500 edificios en Los Ángeles y alrededores, y fue considerado "el arquitecto de las estrellas" por su trabajo con clientes de Hollywood como Cary Grant, Danny Thomas, Lucille Ball y Desi Arnaz.

Un proyecto que Norma dirigió en el diseño de interiores fue un piso de soltero en la cima de una colina para el recién soltero Frank Sinatra, en Bowmont Drive, Beverly Hills. El cantante quería una casa moderna y vanguardista, construida alrededor del sistema de audio de la sala. Norma, quien proporcionó todos los muebles y la decoración, adoptó el modernismo japonés del concepto de su padre (separadores de ambientes en lugar de paredes) y realzó el dramatismo con un llamativo contraste de colores (sofás blancos, muebles lacados en rojos, naranjas y negros de alto brillo).

Cuando la casa se presentó en el programa de televisión "De Persona a Persona" y Sinatra dirigió un recorrido, destacó varios objetos personales que su perspicaz mirada había puesto de relieve en la casa, como una fotografía de sus tres hijos. El programa, al igual que la casa, fue un éxito rotundo.

Ray Fisher // Getty Images

Década de 1960: Florence Knoll

Tal vez ningún diseñador tuvo una influencia más duradera en el aspecto y la función de la oficina corporativa que Florence Knoll, quien revolucionó el lugar de trabajo con sus diseños elegantes y bien pensados ​​que siguen siendo omnipresentes hoy en día.

Knoll fue protegida y amiga de la familia del arquitecto modernista Eliel Saarinen. Cuando Knoll se convirtió en socia de la empresa de muebles de su esposo en la década de 1940, aportó su influencia Bauhaus, su pensamiento innovador y su rigurosa ética de trabajo, fundando el estudio de diseño interno conocido como Knoll Planning Unit.

Su filosofía de "diseño total" adoptó un enfoque holístico para crear entornos que priorizaban la transparencia, la flexibilidad y la utilidad, y fue pionera en la creación de espacios de trabajo grandes y abiertos en lugar de oficinas privadas para crear oficinas modernas y acogedoras.

Algunas de las corporaciones más grandes de la época, como IBM, CBS y General Motors, fueron sus clientes. Creó numerosos diseños icónicos que aún se fabrican y encargó dos de las piezas más conocidas del mobiliario moderno: la silla de alambre Bertoia y la silla Womb a su amigo Eero Saarinen.

En 1964, The New York Times la calificó como «la figura más poderosa del diseño moderno». Su influencia pionera perdura hasta nuestros días, con museos que coleccionan su obra y los catálogos de Knoll que aún exhiben sus diseños.

Sharland // Getty Images

Década de 1970: Tony Duquette

Tony Duquette, un ícono maximalista del diseño y de la vida, nacido en Los Ángeles, tenía el diseño en la sangre (su tío abuelo trabajó con William Morris y su propia mecenas no era otra que Elsie de Wolfe).

Tras trabajar como diseñador de tiendas en la década de 1930, empezó a trabajar como freelance para algunos de los diseñadores de interiores más destacados de Hollywood, como William Haines y James Pendleton. También trabajó en la industria cinematográfica, creando vestuario (con Adrian ) y escenografía.

La magia de Tinseltown formaba parte del ADN del diseño de Duquette, y su trabajo es conocido por transformar objetos cotidianos como artículos de tiendas de un dólar y espejos en diseños lujosos. Tras abrir su salón en la década de 1950 con su esposa, a quien llamaba "Beegle", entre sus clientes se encontraban figuras de Hollywood, desde Aldous Huxley hasta Greta Garbo.

A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, Duquette viajó por Europa, América y, en ocasiones, más allá. Entre sus clientes se encontraban influyentes mecenas del arte como Doris Duke, Norton Simon y J. Paul Getty. Adoraban su uso dramático del color, su opulencia de "más es más" y su absoluta originalidad. Durante décadas, viajó por todo el mundo por encargo, creando interiores teatrales, hermosas joyas y su mayor logro: su finca Dawnridge.

Ningún otro trabajo de diseñador personifica el exceso bohemio y el encanto de la década tanto como el de Duquette, y sus diseños siguen inspirando hoy en día: los íconos de la moda Tom Ford y Kelly Wearstler lo citan como influencia.

ILIR BAJRAKTARI/Patrick McMullan vía Getty Images

Años 80: Mario Buatta

Conocido como el Príncipe del Chintz por su frecuente uso de telas florales, Mario Buratta creó un estilo que podría llamarse shabby chic si no sonara barato. Trabajando para clientes adinerados y elegantes como Mariah Carey, Malcolm Forbes y Billy Joel, los interiores de Buatta proyectaban comodidad y lujo, y estaban repletos de costosas antigüedades.

Al igual que Tony Duquette, el diseñador italoestadounidense comenzó su carrera trabajando en una tienda departamental y luego bajo la tutela de otros decoradores destacados, en este caso, Rose Cumming y Dorothy Draper. Sin embargo, el trabajo de los diseñadores británicos John Fowler y Nancy Lancaster pareció inspirar más a Buatta, quien adoptó el estilo campestre inglés y lo hizo suyo con chintz sobre chintz, colores saturados, volantes y adornos.

En lugar del minimalismo austero de los años 60 o la experimentación salvaje de los años 70, los diseños de Buatta son todos exuberancia anglófila de los años 80: piense en los vestidos de Laura Ashley, la presidencia de Reagan y una obsesión por Lady Di, todo envuelto en chintz y atado con un lazo.

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Frazer Harrison // Getty Images para Airbnb

Década de 1990: Kelly Wearstler

Así como algunos arquitectos como Frank Gehry son "arquitectos estrella", algunos diseñadores de interiores son nombres muy conocidos, y Kelly Wearstler es sin duda uno de ellos. Conocida por sus diseños audaces, la sensibilidad única de Wearstler abarca desde el modernismo de mediados de siglo y la Regencia de Hollywood hasta el barroco de Tony Duquette.

Su papel como jueza en el popular programa de televisión "Top Design" a finales de la década de 2000 le otorgó fama más allá del mundo del diseño, pero fue en 1995 cuando el gigante del diseño la inició abriendo su propio estudio de diseño de interiores. En esa misma década, conoció a Brad Korzen, un promotor hotelero que necesitaba una visión de interiores experta para revitalizar el lamentable estado de sus propiedades recién adquiridas, incluyendo un hotel Avalon de 1949 convertido en residencia de ancianos y una pensión en Beverly Hills, California. Wearstler cumplió y cosechó elogios por una serie de proyectos en la década de 2000 que establecerían un nuevo estándar para los hoteles boutique de alta gama.

El espíritu de los 90 impregna su obra, de modo que es difícil definir su estética amplísima, que toma prestado lo que le gusta del pasado y lo reconfigura con un toque innovador. Ya sea uno de sus numerosos hoteles, viviendas o espacios comerciales, o un objeto de su extensa línea de productos (textiles, iluminación, muebles e incluso moda), las creaciones de Wearstler se reconocen al instante como suyas: es una estética que ha triunfado, convirtiéndola también en una de las diseñadoras contemporáneas más solicitadas del siglo XXI.

Escrito por Andrea Richards